Partiendo de una pantalla cuadrada (Televisión estándar SD) como mi límite visual para realizar mi composición, se trazan imaginariamente dos líneas horizontales dividiendo en tres partes iguales el cuadro visual.

Partiendo de esta primera división se obtiene una herramienta importante para la composición de paisajes y espacios abiertos, es decir, panorámicos o generales.

El cerebro toma la información visual de peso por el tamaño y la posición en el horizontal de los elementos; si un elemento ocupa 2/3 partes del cuadro visualmente pesa más.

Aunque esto también varía un poco con el nivel de luminosidad o contraste en la toma. Algo claro tiene poco peso.

Con estas líneas imaginarias horizontales, en una panorámica se obtiene una herramienta que sirve de guía para colocar las líneas del horizonte y lograr darle mayor importancia a elementos en la toma por su peso visual.

Ahora para tomas donde hay más de dos elementos como personas, edificios o árboles se crean con dos líneas imaginarias verticales que dividen la pantalla en tres partes proporcionalmente iguales, esta proporción da la medida exacta del equilibrio visual.

La información de equilibrio se da al analizar la posición de los elementos si están ocupando mayor espacio en el cuadro, estarán pesando más y por lo tanto se rompe el equilibrio y la equidad.

Un ejemplo en la vida real es cuando se está partiendo un pastel en una fiesta si una de las partes ocupa mas espacio en porque es más grande esto  puede ser verdad o no pero es la forma como nuestro cerebro capta la proporción y si está con líneas verticales se piensa en equilibrio.

Estas tres divisiones ayudan a repartir equitativamente los elementos que entran a formar parte del cuadro fotográfico logrando un balance, pero cuando un elemento está ubicado en uno de los laterales se pierde el equilibrio (se debe mantener un equilibrio relativo para la armonía).

También varía un poco con el nivel de luminosidad o contraste en la toma; algo claro tiene poco peso, según la escala tonal un color más cercano al blanco es más próximo y liviano, mientras un color oscuro con tendencia al negro es más profundo y pesado.

Al cruzar las líneas imaginarias, tanto las horizontales como las verticales en la intersección de ambas divisiones se crean cuatro puntos, en estos puntos convergen de una manera armónica la proporción y el equilibro, por este motivo los elementos que se quiere que tengan mayor importancia los ubicamos en cualquiera de estos puntos y el resultado es una imagen agradable al estar en unos de los puntos de convergencia del peso y proporción. A esta regla se le llama puntos de oro y ley de los tercios.

Al colocar un objeto en uno de estos puntos, adquiere más importancia visual. Esta ubicación dependerá de la intención del realizador, y a lo que desee darle mayor importancia narrativa.

En estos cuatro puntos están comprendidas las líneas de proyección del horizonte, la perspectiva en lo urbano.

Cuando se quiere tener una imagen bien compuesta solo es poner los elementos mas importantes de la toma en los puntos de interés o puntos de unión de las lineas.

Se pueden sacar bocetos en dibujo antes de realizar la toma partiendo de las figuras geométricas que forman los objetos a enfocar con esto se genera una visión general y fácil de la composición antes de realizar una toma.

Fotos de DANIEL OCAMPO.

Para que la imagen no presente saltos o parpadeos, se requieren mínimo 16 cuadros por segundo. El cine adoptó un estándar de 24 cuadros por segundo, generando imágenes en movimiento de buena calidad, para luego, la televisión hacer su entrada con un estándar de 30 cuadros por segundo para el sistema americano o NTSC, y de 25 cuadros por segundo para el sistema PAL o europeo.

Se entiende como Televisión, a la posibilidad de emitir imagen y audio a grandes distancias por medio de las ondas electromagnéticas, por lo tanto, se rige por unas normas que debemos conocer.

CÓMO SE FORMA LA IMAGEN EN NUESTRA TV

Como ya vimos, la imagen en movimiento es una sucesión de cuadros (fotos), ésto se aplica igualmente para la transmisión en la televisión. Cada cuadro se descompone en líneas que a su vez se descomponen en puntos o pixeles (células de la imagen).

Cada punto tiene un lugar, un espacio, y un tiempo dentro de la pantalla y ésto depende específicamente de la señal de video, que es la encargada de dar la información de la imagen.

A la pantalla del televisor se le llama tubo de rayos catódicos. Este tubo consiste en un cañón electrónico y una pantalla de fósforo dentro de una ampolla de cristal que está al vació.

El cañón electrónico se encarga de generar un fino haz de electrones que, al impactar en la pantalla, estimulan las celdas de fósforo que irradian luz y color, formando los pixeles.

El rayo catódico hace una serie de barridos en la pantalla de izquierda a derecha en línea recta, de la misma forma como leemos una hoja de izquierda a derecha hasta el final.

Este recorrido lo realiza en dos partes: primero hace las líneas impares, se regresa, y luego hace las impares hasta completar la imagen un cuadro. A cada barrido de líneas pares o impares se le llama un campo.

Para hacer este recorrido se necesitan dos barridos: horizontal y vertical. El horizontal hace el recorrido de izquierda a derecha de la pantalla, y el vertical lo hace de arriba hacia abajo.

Dependiendo de la cantidad de líneas horizontales que se requiere para formar el cuadro se define la calidad de la imagen en televisión. Para el sistema americano NTSC se necesitan 525 líneas por cuadro.

A este tipo de barrido de pantalla también se le llama Scanning entrelazado.

Para comprimir una imagen se requiere un proceso conocido como scanning o escaneo de la imagen. Existen dos tipos de scanning; progresivo o entrelazado:

Scanning progresivo: escanea el cuadro completo y al momento de reproducir lo hace de la misma forma cuadro completo, y se usa en la industria de los monitores de computadoras y televisión de alta fidelidad. El escaneo progresivo lo utilizan los monitores LCD y PLASMA.

Scanning entrelazado: se utiliza en la industria de la televisión. Aquí, las líneas horizontales pares e impares de un cuadro se escanean de forma separada consiguiendo los dos campos de un cuadro, lo que requiere menor ancho de banda y crea un parpadeo en la imagen.

En la compresión se requiere disminuir el número de parámetros de la señal manteniendo una buena calidad. El resultado de la compresión de video digital es que se convierte a un formato de datos que pueden ser procesados por computadoras.

En las cámaras se identifica la forma de captura de la imagen, si es progresivo se utiliza la letra P y en el caso del entrelazado se utiliza la letra i.

Las ventajas y desventajas dependen de lo que se va a grabar de una escena. El entrelazado captura y representa muy bien imágenes con mucho movimiento y el progresivo da un muy buen resultado para imágenes estáticas y en cámara lenta.

Hay varias maneras o técnicas para forzar la profundidad, ya sea en iluminación con el manejo de las sombras y por manejo del color, pero en esta ocasión hablaré de una técnica muy sencilla pero eficaz: la de encajar.

Y básicamente esta técnica tiene que ver con empacar en una caja el elemento a encuadrar, esto con el fin hacer mas evidente la perspectiva.

La profundidad se logra trabajando la perspectiva, que es la ilusión que percibe el observador, la cual, le ayuda a determinar la ubicación entre los objetos y sus distancias.

Si se habla de dibujo, la perspectiva está dada por la distorsión angular de los objetos en la distancia, un buen ejemplo es un cubo (Caja).

Cuando se dibuja un cubo o caja se debe tener en cuenta la distorsión angular. En el caso de los audiovisuales, esta regla es importante, por ejemplo: Si enfocamos una caja y se toma totalmente de frente donde sólo se vea una cara, no se hace referencia a su forma natural, un cubo; sólo se tendría un cuadrado por ser visto de frente. Pero para verlo como cubo, es necesario cambiar un poco la perspectiva para lograr ver su profundidad (La distorsión angular).

Esto pasa mucho en el trabajo gráfico, se representan elementos tridimensionales como bidimensionales. Y no es la mejor forma de hacerlo.

Siempre que se trabaja con cubos o mejor cajas estos proyectan líneas invisibles pero perceptibles las cuales convergen en puntos que son llamados puntos de fuga. Estos dos conceptos son muy utilizados en dibujo arquitectónico por ejemplo: cambiando las distancias de los puntos de fuga se pueden variar las vistas del cubo. Además el horizonte o línea de horizonte que es la referencia para nuestra vista normal (Ver puntos de vista) esta línea es importante porque es nuestra referencia visual porque es donde se encuentran ubicados los puntos de fuga que son la referencia para la perspectiva que es la que cambia el punto de vista.

Este punto de vista cambia de superior a inferior o en términos audiovisuales Picado y contrapicado (Ver puntos de vista).

Teniendo ya el cubo (Caja) como referencia de la perspectiva se puede crear la perspectiva de las demás figuras básicas.

Todos los elemento de la naturaleza y todo lo que nos rodea se puede empacar en una caja (Se pueden encajar) y por esto se tiene que tener en cuenta que la mejor forma de mostrar una caja es ver su profundidad.

Con esto ya queda claro que se deben encajar los elementos que desee mostrar. Y tener en cuenta el ángulo, y cómo esa caja marca el horizonte de la toma, para lograr una composición armónica con el entorno que también se compone de cubos.

Todo cubo tiene que mostrar su profundidad; de lo contrario se debe crear volumen con los claros oscuros en la iluminación: luz y sombra.

Marcando la perspectiva de los elementos a representar se logra dar mayor realismo y fuerza visual a la composición. Entre mayor la perspectiva, mayor la información que se da de la escena, mayor tiempo de lectura tiene el observador y en consecuencia más riqueza en el encuadre.

Al forzar perspectivas ya sea por medio de la perspectiva o de la iluminación se logra tener un mayor campo de acción a nivel narrativo y expresivo, más aun cuando se trata de producir video de alta definición.

Cuando se trabaja en 3D tercera dimensión se hace más evidente el trabajo del campo visual sumado la profundidad y el manejo de sombras para hacer más notables los elementos y los movimientos.

En dibujo artístico y en diagramación se logra la sensación de profundidad con líneas en ángulos que marcan los recorridos que guían la lectura.

Ángulo normal:

O nivel de los ojos como también se le llama.

Este ángulo se toma a la altura de los ojos del personaje, tomándolos como referencia para el nivel de altura del encuadre. Se usa en caso de que se requiera ofrecer al espectador una participación directa con el personaje enfocado.

Este ángulo es el que comúnmente se utiliza en programas en los cuales se pretende que el espectador se sienta identificado directamente con el sujeto y ofrece la sensación de encontrarse al mismo nivel del personaje en la escena.

Este ángulo ofrece respeto y equidad reflejando tranquilidad y confianza; por esto es común su utilización en televisión en programas informativos. En este tipo de programas es importante que exista una relación directa entre el espectador y el narrador, que ofrezca credibilidad.

Ángulo alto o picado:

Se refiere al encuadre que se hace por encima del nivel de los ojos del personaje enfocado; el ángulo alto debe usarse cuando se pretende mostrar a la audiencia una visión general del sitio donde se desarrolla una acción.

En otras condiciones el picado tiende a hacer que el sujeto parezca más pequeño en tamaño; transmite la sensación de que el sujeto es débil, está solo, ha sido abandonado, o se encuentra indefenso. Esto se logra porque los espectadores se encuentran por encima del personaje, mientras él es más pequeño con referencia a la perspectiva.

En algún momento de la vida se han tenido situaciones donde el nivel de vista con respecto a otra persona da o quita poder de convencimiento. Cuando hay discusiones habitualmente se busca estar por encima del contrario para tener la sensación de ser más fuertes y hacer sentir débil al otro.

Ángulo bajo o contrapicado:

Se refiere a colocar la cámara abajo del nivel de los ojos, es decir, enfocar al sujeto de abajo hacia arriba.

Este ángulo aumenta el tamaño del personaje enfocado por la perspectiva, y transmite la sensación de que el sujeto tiene fuerza, es absoluto y dinámico.

Esta sensación no sólo ocurre con personas sino con cualquier objeto que quiera ser mostrado. Es común ver este ángulo en campañas políticas cuando se enfoca al candidato, o en los comerciales de autos y teléfonos móviles.

Ángulo subjetivo o cámara subjetiva:

El ángulo subjetivo coloca a la cámara en lugar de los personajes que intervienen en la acción. Es decir, lleva al espectador a la escena y muestra la toma desde el punto de vista de ese personaje.

Este ángulo es muy fuerte psicológicamente, aumenta la tensión al sentir que se escudriña íntimamente un espacio desconocido, lo cual hace parte de la naturaleza humana. Estar en búsqueda de lo desconocido da la sensación de inestabilidad y por lo tanto debilidad; por esto es bien utilizado en producciones dramáticas y en juegos electrónicos ya que puede causar gran impacto en el espectador: le ofrecerá la sensación de ser parte de la historia.

A tener en cuenta: cuando se haga una cámara subjetiva se deben evitar los movimientos del lente especialmente el zoom (acercar o alejar); porque esto conlleva a cambios focales que no son convincentes ni comparables a los del ojo. Este movimiento se debe hacer en plano general por ser la forma más parecida al modo de ver del ojo humano.

Observación: El ángulo de inclinación del encuadre o encuadre aberrante, genera hiperdramatismo y muestra desequilibrio moral del personaje.

Espacios alrededor del sujeto:

Se les conoce también con el nombre de “aires” a los espacios alrededor del sujeto u objeto: “aire arriba”, “aire a la derecha”, “aire a la izquierda” y aire “abajo”.

Cuando el personaje se encuentra mirando de frente en el encuadre y no hay otro elemento que se quiera mostrar, se debe cuidar que esté bien centrado; esto, para darle toda la atención al personaje, es decir, que el aire a la derecha sea aproximadamente igual al de la izquierda. Igualmente debe observarse que el aire de arriba guarde la proporción, ya que de lo contrario se verá el personaje más pequeño como si estuviera enterrado en el borde inferior del encuadre.

Al tener el personaje o el objeto centrado con poco espacio alrededor, se crea la sensación de estabilidad por estar en un cuadrado completamente lleno.

El aire en este tipo de toma puede aumentarse sólo en casos donde se inserte en el espacio libre algún otro elemento que sirva de balance a la toma.

Si el sujeto está de lado o está hablando con otra persona debe dejarse más aire hacia el sitio a donde se supone está el otro sujeto; esto dará balance en relación con la acción que el personaje está realizando.

Es común cubrir escenas en las que los personajes se mueven. En estos casos, al seguir con la cámara al sujeto que se desplaza, es importante dejar más aire al frente del sujeto; esto ofrecerá una toma más cómoda ya que existe relación entre el personaje y su desplazamiento.

Como también se le da aire a una toma, también se le puede quitar; a este se le llama “corte”: corte arriba, a la izquierda, corte a la derecha y corte abajo.

TIPOS DE PLANOS

• Panorámica:

Es mostrar un espacio en su mayor dimensión posible, por eso se le llama panorámico, y sirve para dar contexto y ubicar, generando la sensación de que se conoce todo. El conocer algo da tranquilidad, y la impresión de que se puede controlar ya que no ofrece peligro, además es la forma más habitual de ver algo desconocido, es la primer observación que se hace ante algo nuevo. Según la posición y el ángulo de visión se obtienen lecturas diferentes de los personajes presentes en el cuadro, como la sensación de tristeza, abandono, soledad o inferioridad. Esto se da por lo abierto del plano y la perspectiva del ángulo de vista. (Todo lo desconocido causa temor).

• Plano general:

En este corte se hace referencia a algo en concreto a diferencia de la panorámica. Se refiere a la toma completa de la persona u objeto. Este plano comparte de la panorámica; la sensación de tranquilidad. Al conocer en totalidad el personaje, introduce al espectador en la situación. Permite tener una lectura completa y establecer una relación de posición, contraste o de contexto entre el personaje y el ambiente, lo cual permite ver completos los movimientos y desplazamientos.

• Plano americano:

Corte más arriba de las rodillas, también llamado plano tres cuartos por ser tres cuartos del plano general. Se le conoce como plano americano por ser creado en las películas del oeste americano para dejar ver las armas del personaje. Permite tener una relación más cercana con el personaje sin abandonar el entorno que lo rodea.

•  Plano medio:

Este corte es un poco más arriba de la cintura. Define, dirige y centra la atención hacia el personaje o el objeto que se enfoca definiendo su estado anímico y corporal con lo cual se obtiene una relación más cercana y emocional con el personaje (Es lo mismo que adquirir más confianza con una persona, entre más confianza más atribuciones damos, nos acercarnos cada vez más, utilizando palmadas, abrazos, o hasta caricias y besos) .Expresa el mismo sentimiento.

• Plano medio corto o cerrado:

Desde los hombros hacia arriba mucho más cerca de la persona. Permite una relación emocional con el personaje. Al estar más cerca es más afectivo (Lo mismo que en cualquier relación en la vida con personas que nos rodean.).

• Primer plano:

Para este corte se toma como referencia el cuerpo humano, correspondiendo al rostro que llena totalmente el rectángulo visual. Describe en profundidad al personaje, aproxima a sus situaciones psicológicas, descubriendo su realidad emocional. Esta cercanía es emocionalmente fuerte. (El acercarle el rostro a alguien cuando estamos discutiendo, sirve para mostrarle qué tan enojados estamos y cuánto daño podemos hacerle. O cuando estamos con una persona que nos llama la atención, el estar cerca a su rostro nos emociona y es amistoso) Esta relación sentimental se debe tener en cuenta en todo momento, incluso al contar una historia.

• Plano detalle:

Es lo más cercano o detallado del cuerpo o del objeto, como por ejemplo, en el rostro parte de los labios; ̈parte ̈ porque si fuera todo el labio sería primer plano del labio. Otro ejemplo es la piel donde se detalla su textura, o en una rosa el detalle es el pétalo. Esos detalles transmiten sentimientos. Este plano expresa diversos sentimientos al lograr entrar en la intimidad y explorar al personaje de una manera muy cercana. También se utiliza para hacer énfasis en alguna parte del objeto que es descriptivamente importante.

A tener en cuenta – Norma técnica: Según el número de personas a incluir en el plano, cada uno de ellos recibe un calificativo numérico. Ejemplo: si son dos personas en plano medio, se dice plano medio por dos; si es un plano abierto con tres personas, se dice plano abierto por tres, y así sucesivamente.

Recomendaciones: Evite los cortes de la figura humana por donde haya ejes de movimiento tales como: cuello, codos, nudillos de los dedos, y rodillas, de lo contrario la persona parecerá mutilada.

En la naturaleza sólo existe una luz que domina: el sol. Esta luz principal crea unos efectos sicológicos en nosotros que controlan la percepción de nuestro entorno; lo bueno, lo malo, lo superior, lo inferior, lo satánico o lo hermoso. Lo que podemos ver lo podemos comprender, y a mayor luz el objeto es más puro, y a su vez, a mayor oscuridad se considera al objeto como dañino y misterioso.

Ya vimos los efectos de una luz cambiando de posición horizontal en referencia al punto de vista y la posición del sujeto o el objeto. Iluminación de superficies planas.

Pasaremos a ver los fenómenos físicos y sicológicos de las diferentes posiciones de una luz en forma vertical. Crearemos una linea imaginaria entre el punto de vista y el objeto o sujeto a iluminar.  Como vamos a cambiar de posición a la fuente de luz con referencia al punto a iluminar  se crean ángulos dependiendo de la posición de la luz, siendo el ángulo cero el mismo del punto de vista, y según la posición de la fuente de luz el ángulo puede ser positivo o negativo. A una posición superior a la línea le daremos angulación positiva y a una posición inferior angulación negativa.

Lo mismo se puede hacer en el horizontal para aumentar o disminuir las texturas o los relieves, siendo el punto eje o focal el objeto o sujeto a iluminar, y la posición cero el punto donde se hace la visualización y que cambia con el ángulo o posición.

Como ya conocemos los efectos que genera la posición de la la luz en posición horizontal   (Iluminación de superficies planas) entonces nos centraremos en la vertical.

Cuando una luz se encuentra en posición de cero grados vertical la sensación es muy pasiva, el sujeto u objeto es inactivo, plano y solo, pero cuando aumentamos el ángulo y ubicamos la luz en ángulo positivo el sujeto u objeto se ve mas vivo y activo, y a mayor ángulo, parece ser muy elevado o celestial al dar la sensación de irradiar luz,  en respuesta a que esta es la forma más natural para nosotros por la posición del sol, nuestra luz natural está siempre arriba de nosotros.

Lo contrario sucede con una luz posicionada en ángulo negativo; puede pasar de causar temor y misterio hasta crear formas diabólicas. Al no ser una luz natural no da confianza, proyecta sombras muy pronunciadas hacia arriba otorgándole mayor importancia a lo negativo.

 Con esto ya comprendido, pasamos a realizar una iluminación para objetos del mundo tridimensional, para lo cual necesitaremos tres luces que llamaremos luz principal, luz de relleno y luz de contra luz.

La luz principal y la de contra luz deben ser duras y pueden ser tipo fresnel o openface según la superficie y lo puntual que se quiera o se necesite para el ambiente que se quiere representar, y la luz de relleno es una luz suave o difusa.

¿Cómo funciona esta triada de luces? Algunas personas comenzarían ubicando la luz principal, pero personalmente recomiendo poner primero la luz de contraluz que como vimos antes es la que marca la silueta del personaje, además puede cambiar de posición dependiendo de la parte de la silueta a resaltar.

Después de esto pasamos a posicionar la luz principal y sise desea tener una iluminación natural, o mejor dicho, que el observador haga una relación armónica de lo que está viendo, usaremos un ángulo positivo de unos 45 o 50 grados tanto en horizontal como en vertical, esto puede variar dependiendo de la intención dramática y además en horizontal es importante modificar el ángulo dependiendo de la necesidad de aumentar o disminuir los relieves y las formas.

La luz de relleno, recordemos que es suave o difusa y se ubica en los mismos ángulos tanto vertical como horizontal de la luz principal pero en el lado contrario. Esto con el fin de suavizar las sombras que generan la luz principal, por lo que debe estar en la misma posición para no generar doble sombra lo cual causaría una lectura errónea y poco atractiva para el observador al no ser natural para nosotros tener dos fuentes de luz, además podría causar desorientación.

La luz principal debe ser una luz dura para que proyecte sombras y así represente la profundidad, y la luz de relleno debe ser difusa lo cual nos ayuda a atenuar y suavizar las sombras, sin eliminarlas.

 En una imagen así como en la vida, debe haber un equilibrio entre el bien y el mal, el blanco y el negro, el yin y el yang, con lo cual se armoniza todo, no puede existir el uno sin el otro.

Hasta una próxima ocasión, espero que pongan en práctica todo lo visto y experimenten  la iluminación cambiando de posición y modificando los ángulos. Comprueben todo lo que he dicho y saquen nuevos conceptos y en lo posible publiquen sus comentarios y resultados para todos, lo que es de suma importancia en este proceso de aprendizaje.

Una señal de video a color es una superposición de intensidades de colores (RGB) sobre una escala de grises, es decir, un componente de Luminancia (Y) y dos componentes de Crominancia (U, V).

La luminancia (Y) es la imagen en blanco y negro con su respectiva escala de grises. Es como cuando estamos dibujando, primero se crean los contornos, y después se crean las sombras, más oscuras o mas suaves dependiendo de la cantidad de luz que se quiere o el impacto a los elementos que conforman el dibujo, para después aplicar los respectivos colores que para este ejemplo denominaremos crominancia (U, V).

La luminancia (Y) contiene toda la información de la mayor o menor luminosidad de la imagen, no contiene ninguna información de color.

La crominancia, por el contrario, tiene toda la información de los colores de los objetos, colores RGB.

De esta manera es más fácil entender que la señal más importante es la de Luminancia que es la señal de video en sí, sin esta señal perderíamos definición y calidad, lo mismo que en el dibujo, cuanto más trabajo con las sombras y texturas mayor calidad. El color es pasivo y plano y se aplica a una superficie que ya se encuentra con la información de sombras y texturas (Luminancia) para darle vida o color.

Existen principalmente tres estándares en conexiones o salidas de video analógico:
Video Compuesto, Video Componente y, S-Video.

Compuesto.
Componente.
S-Video o (Y/C).

El compuesto es un solo cable, un solo conector que mezcla las dos señales.

La componente separa la señal de Luminancia (Y) y croma (RGB) en tres cables o conectores nombrados de la siguiente manera (R-Y) (B-Y) (G-Y).
La crominancia se obtiene por la diferencia de la señales de color (RGB) es decir:
Rojo menos luminancia (R-Y), Azul menos luminancia (B-Y) y verde menos luminancia (G-Y). Pero de estas tres señales sólo se necesitan dos, ya que se obtiene la otra con la combinación de las otras dos.
S-Video como sus siglas lo indican separa la señal de Luma y croma.

De las tres señales la de mayor calidad es la componente por la separación de las señales, en segundo lugar el S-Video y por último la más utilizada, pero no tan buena, el video Compuesto.

Recordemos:
Video Compuesto: la componente luminancia y de crominancia son codificadas juntas como una única señal.
Componente o RGB: los colores se codifican por separado, y cada componente tiene un canal para la señal. (R-Y), (G-Y) y (B-Y).

S-Video o Y/C: existen dos señales independientes, una de ellas contiene la luminancia, y la segunda la información de crominancia C (U y V).